2025年岁末，中央民族乐团倾情呈现童话音乐剧《灰姑娘》，于12月27日至28日举行4场限定演出。

　　当从未演过音乐剧的合唱队员走到舞台中央，在唱、演、动、换景的多重挑战里完成自我突破；当民族唱法去讲述世界经典故事，一场关于“传承与创新、坚守与突破”的对话，正在舞台上真实发生。

　　为什么是《灰姑娘》？

　　面对为何选择西方童话的疑问，中央民族乐团党委书记张亚峰表示，这不是“转型”，而是“与时俱进”。选择《灰姑娘》的内因在于演员成长的需求。音乐剧要求演员将歌唱技术、形体表演与舞台协作融为一体，能有效推动演员从“站着唱”成长为“舞台主体”。

　　外因则源于市场与当代审美的呼唤。《灰姑娘》故事中善良、坚韧的价值观与中华传统美德相通，且它也是许多孩子的童年记忆。更重要的是，世界经典并非只能用西方方式讲述。张亚峰强调，“如果说，越是民族的就越是世界的；那么，越是拥抱世界，就越能让民族根脉更加坚韧！民族器乐不等于只演绎中国故事，中国声音同样可以传递世界情感，这恰恰是文化自信的体现。”

　　用“视觉魔法”把音乐厅变成童话现场

　　将侧台有限、机关有限、转换困难的民族音乐厅空间转化为戏剧舞台，导演兼视觉总监赵晓宇接手的是一项看似不可能完成的任务。他给出的答案是利用四块“三折镜”。镜子通过折叠、移动，与投影、灯光配合，灵活构建出灰姑娘的阁楼、皇宫舞会等不同场景，以最精简的装置承担起最复杂的叙事功能。更具挑战性的是，张亚峰要求演员参与布景变换，不用黑衣人上台操作。合唱队员与动物角色需在唱演的同时踩着音乐节奏推动镜片、精准换景，最终这段高难度协作成为现场效果最佳的段落之一。

　　赵晓宇还决定不用笨重的实景大机关，而是使用轻巧的视觉组合制造流动奇观。例如，把南瓜马车推到舞台后不再移动，但通过周围流动的投影、歌舞和灯光，营造出“车不动，但世界在动”的奇观；水晶鞋试鞋环节则通过光影与音效的对比，高效地完成了戏剧表达。当无法依赖大机关大装置时，创作反而被迫回到艺术本质——用光影、调度与表演去打动观众。这次的视觉设计或许是赵晓宇职业生涯里最“克制”的一次，却也是最“纯粹”的一次。

　　从“站着唱”到“会演戏”：演员的艺术生命被重新打开

　　对演员而言，这次演出是一场全面的挑战与重构。饰演灰姑娘的女高音魏伽妮需要完成近乎完美的演唱，并在边唱边跳与快速走位中保持气息稳定、音准准确。更重要的是，要实现从演唱者到表演者的身份转变，用声音和肢体呈现角色内心的成长轨迹。

　　魏伽妮希望孩子们从这部戏里带走三件事：善良是一种选择，不是软弱；坚持热爱，即使无人看好；真正的魔法是相信自己。饰演仙女教母的青年女中音唐文娟则赋予角色慈爱与幽默的特质。她认为，魔法本身看不见，但可以通过演员的仪式化动作、灯光变化和角色反应，让观众“看见”魔法发生，而真正的魔法，最终仍回到人心——你愿意相信自己，你就拥有自己的仙女教母。

　　音乐的温度：不是“描述魔法”，而是“音乐本身就是魔法”

　　作曲家蔡东真为《灰姑娘》写下的，是一种带着哲思的童话气质。他说，创作过程中他更像是在“找回失去的童心”。面对小型室内乐编制的限制，他通过声部层次、和声结构的变化以及贯穿全剧的水晶鞋主题，来增强音乐的灵动性，并为全局建立清晰的结构线索。在他看来，音乐本身就是魔法，是一种能够穿越时空、唤醒人内在纯真与真诚的震动。对于《灰姑娘》主题的理解，相比“善良”，蔡东真更强调“寻找”，即寻找失去的自己。因此，他认为这部作品不只是一部写给孩子的童话，也是一部献给那些需要在音乐中重新找回“最美的自己”的成人作品。

　　一次“破圈”与“赋能”的双向实验

　　中央民族乐团《灰姑娘》的意义远超一部童话剧。对院团而言，它是国家级民族乐团在新需求面前的主动破局：从“等待任务”到“主动赋能”，用作品推动体制内人才训练与舞台创新。对演员而言，它是一次艺术生命的延展：合唱队员从配角走向主体，从“只会唱”走向“会演戏”，把综合能力真正变成可被看见、可被记住的舞台魅力。

　　对观众而言，它是一堂关于善良、勇气与自信的成长课。“民族的也是世界的，世界的也是民族的”，并不是一句口号，而是可以被听见、被看见、被感受的现场经验。

　　12月27日至28日的这4场岁末限定演出，《灰姑娘》把童话献给孩子，也把童心献给每一个仍愿意相信美好的人。（何雨阳）